Китай хипнотизиращ разказ

Когато пълнотата и празнотата генерира една от друга,
там, където картината е нищо писано
създава пленителен свят
Да Чун Гуан, китайски художник и калиграф

Китай е една от малкото страни, където културата и изкуството са разработени непрекъснато и последователно в продължение на хиляди години, като се гарантира стабилността на вековните традиции.

Една от отличителните черти на китайската живопис е чертежи на линията. Нещо твърдо, нещо, гладки, нещо по-строги, летящите линии е реално отражение на хватката, и всеки от тях претърпява много промени в предаването на малки нюанси и чувства на художника. Тези умения не могат да бъдат отделени от притежаването на четката за изкуство, култиватор продължение на много векове, тъй като всяка четката трябва да бъде напълно точна, тъй като или да изтриете или коригирате това вече не е възможно.

В Китай, на артистите обикновено отлични калиграфи и техните творби могат ясно да го видят. Между китайската калиграфия и живопис толкова много общи неща, че те се считат за сестрата на, и за развитие в стилистично единство, взаимно се движат помежду си напред. Калиграфски работа не трябва да е красива, но жив и соул само. Китайската калиграфия и живопис на границите на изкуството на танца, както и усещането за пространство в тях е близък до усещането за пространство в танца. Ето защо, един от най-известните майстори на бързопис Джан Шу, гледайки танца с мечове, научих стенографски стил душа. Нищо чудно, че изкуството от времето Джиан сравнение с калиграфия.

Както изпълнители и Calligraphists, използват същите материали и инструменти: четка, мека порьозна хартия, направена от коноп или бамбукови влакна и китайски мастило. При производството на трупове за писане и рисуване китайците достигна най-висшето съвършенство. При стриване специален черен brusochkov с вода или друга течност, за да гъста консистенция, получен мастило, с които художниците създават голямо разнообразие от тонове. За да работите с цвят и наситен използва рафинирано балансиран Полихром златно правило, което - мастилото не трябва да стоят на пътя цвят и цвета не трябва да застане на пътя на трупа.

Има два основни стила в китайската живопис: "Gunba" ( "Внимавайте четка") и "сей" ( "трансфер на идеи"). "Gunba" присъщи фините и подробни графики с педантичен Brushwork и цветове наслагване на предписването на малки части. Да направим една линия, художникът рисува картина минерални пигменти, които дават на яркостта на картината и интелигентността. В "Gunba" стилове на работни артисти, които украсяваха живопис интериора на дворците на императори и благородници.
За разлика от "Gunba", "сей" - свободен начин на рисуване с широка четка. Артистите на този стил са склонни да се предадат, не приличат на предмета и същността си, те искат да предадат емоционално съдържание и състояние на духа. В повечето случаи, художниците "SEI", написани с мастило в черно и бяло и нюанси на сивото, поради което снимките им не изглеждат толкова великолепно в стил "Gunba", но те са присъщи и латентна израз на искрения искреност.

В своята живопис, китайски художници обичат да използват алегории, идентифицира с образа на идеалната въображаем свят на човешкия живот явления. Например, божур символизира човешката красота, както и богатство и чест; четиридесет възприема като символ на щастлив новини и слива цвят - Meihua, падащо в най-тежко студената зима, с лицето, писклив чисти. А калиграфия и надписа на картината дава тази алегория още по-поетично и изразителен.

Изключително древен китайски художник и писател Су Шъ (1036-1101) се застъпва, че "в стих е фигуративната живопис, и картината е присъствал в поезия." Това мото добре изразено от идеята за органичното единство на поезия и живопис, която се стреми да постигне поколение китайски художници.

изтъкват някои жанрове в традиционната китайска живопис: портрет, пейзаж "Планински и Вода" картина "цветя и птици". Специализирайки в един opredelnnnom китайски художници жанрови рядко заемат друга, което им позволява да проникнат по-дълбоко в същността на изобразен обект и да се постигне по-голямо съвършенство в своето предаване.

"Рен в Хуа" - "портрет" - преди другият се е развила и достига своя разцвет в Тан (618-907). Това е време, когато артисти боядисани двореца момичета, крале и благородници, както и полу-фантастични същества. Основното изискване на този жанр е прехвърлянето на портрета на вътрешния свят на човека, а не само грижа за приликата.

Пейзаж свят се нарича в Китай жанр на "планини и вода" ( "шан шуй") - това е, което най-много на известната китайска живопис. Както е добре известно, китайците още от древността се поклониха на планините и водите, като светилища. Световната видян през очите на един китайски художник, се изисква помещенията в сградите, в съответствие с нейните закони. Чрез тази комбинация на картината и най-вече перспективите са предназначени да направят лицето не се чувства в центъра на вселената, но само малка част.
Понякога една снимка се ражда във въображението на художника и не е свързана с никакви определено място или пейзаж. Подобна картина се нарича "сърце на природата."

В картината "планини и вода" на природата се появява величествени и огромни, дългосрочния план обикновено се вдигна много висока, така далечни обекти са най-високи, а на преден план обикновено се отделя от група скали и дървета.

Жанр "Хуа Nyao" - "Цветя и птици", а напротив, колкото е възможно по-близо до природата на човека. Изображенията в този жанр се прилагат не само да се превърта, но също така и за феновете, екрани, украсени с хартия за писане, страниците с албуми. Миниатюрни сцени, изобразени върху различни основи, показват живота на растения, птици и насекоми.

Алегорични и философски ориентация на китайска живопис може да се види в композиционната структура на картината - в незаменим присъствие в него "празни", празните области на мрежата. Тези кухини могат да се дебнат в прикритието белезникави облаци, планина забулена; мъгла над повърхността на водата; в отражението на слънчевата светлина или лунна светлина, или може да бъде само празно място. Те са призвани да играят роля simvolichekuyu, намеквайки за невъзможността на налични средства изчерпателно и в края да изрази идеята за художника и оставя място за въображението на зрителите.

Материал, използван книги и статии по тази тема