1. Модерна като предшественик на модерното изкуство
3. раждането и развитието на съвременното изкуство
Позоваването
Съвременно изкуство в настоящата си форма е оформен в края на 1960-70-те години. Избор на чл това време може да се опише като търсенето на алтернативи на модернизма (често това води до отказ чрез въвеждането на пряко противоположни на принципите на модернизма). Това беше отразено в търсенето на нови образи, нови инструменти и материали за изразяване г. до дематериализация на обекта (изяви и събития). Много художници са следвали френските философи въвежда термина "постмодернизъм". Можем да кажем, че е имало промяна от обект на процес.
В края на 70-те и 80-те години се характеризират "умора" на концептуално изкуство и минимализъм и връщане на интереса към графичен, цвят и силует (разцвета на такива движения като "Ню Wild"). В средата на 80-те години се падат движенията на изкачване, които активно използват изображенията на масовата култура - kempizm, изкуство East Village, набира сила нео-поп. По това време включва разцвета на фотографията в изкуство - все повече и повече хора на изкуството започват да се отнасят към него като средство за художествено изразяване.
Нека разгледаме всичко изложено дотук.
1. Модерна като предшественик на модерното изкуство
Първите прогресивни, необичайни и може би шокиращи предвестници на новите тенденции в изкуството станали в стил ар нуво.
Блестящата възхода на Арт Нуво (инж. И Франция. Сецесион него. Jugendstiel) е продължило малко повече от десет години, но в края на деветнадесети и двадесети век той е бил доминиран от органични форми във всички видове изящни изкуства и дизайн.
През 1895 г., родом от Германия и изкуство търговец Самуел Бинг открита художествена галерия в Париж. "Ново изкуство" - Като ценител на японското изкуство, той отвори вратата, ето най-новите тенденции в статива и приложни жанрове и призова неговото творение «Арт Нуво".
На първото отваряне ден се таксува с богата колекция от картини, скулптури, рисунки, керамика, арт стъкло и мебели, невероятно разнообразие от стилове. Все пак, въпреки това разнообразие на много галерии изложби имат две общи неща - отхвърлянето на реалистичните традиции в полза на екзотични и символично поклонение на декоративна потенциал на ухапване като камшик на камшик, линии.
От епохата на Възраждането в западното изкуство властва реализъм. Ненадминат майстор на създавайки илюзията за триизмерното пространство е правилно разглежда като Караваджо (1571-1610) и неговите последователи. През ХIХ век публиката оценява на снимките, на първо място, надежден образ на действителността, в чест на най-висока похвала щателен фотографски картини на такива майстори като Енгр (1780-1867). Дори и въстана против строгите академични импресионистите се опитват да изключително прецизна трансфер до платното на своите сетивни възприятия.
реализъм всемогъщество издигане кавалетна живопис до статута на "Кралица на изкуствата", бутане сенките декоративни и приложни жанрове, така че най-талантливите художници гравитираха към него точно. В резултат на това приложни изкуства и тяхната характеристика абстрактни орнаменти са в периферията, а в средата на XIX век. Тя формира истински пропаст между художниците статива, които се считат за истински творци, както и да валят в позицията на занаятчии господари на декоративното изкуство.
Повратният момент в тази тенденция, която изигра решаваща роля в развитието на модерността е в действителност, дело на един човек - Уилям Морис (1834-96). Възмутен лошия вкус на масовите "потребителски стоки", Морис смята, че изкуства и занаяти са неразделни, а всички околни върху хора трябва да бъдат маркирани с печата на художника.
След като овладял професии шкафове, стъкларя и принтера, Морис, основана през 1860. работилници, в които продуктът да бъде творчески синтез на изкуствата и занаятите. Самият Морис не беше имало в създаването на модели за гоблени и тапициране на мебели, вдъхновени от растителни мотиви на природата. Много орнаменти Морис популярна днес.
Един от сътрудниците на Морис беше Едуард Бърн-Джоунс (1833-98), чийто декоративен стил е повлиян от прарафаелитите. Финият елегантността на линия опъва Бърн-Джоунс пое поста от средновековни ръкописи осветени. Като пряко следствие на съветника в черно и бяло книга илюстрация този начин ясно отразено в неговите картини с маслени бои, декоративни ефекти са напълно чужди на академизма след това. Изкуства и занаяти имал силно влияние върху развитието на Арт Нуво.
В други части на изкуството фондации в Европа бяха подложени на атака от съвсем различна гледна точка. Поставя под съмнение естетическите качества на импресионизма, художници 1880-90 двугодишен период. плисна върху платното увлекателна своите идеи и чувства. От бягство видима реалност, последователи и символика "Navi" членовете на групата, пълни подчерта размерите илюстровани за борба с безредиците бои пространство вихрови и като Морис и Бърн-Джоунс, широко използвана пластмаса богатство линеен модел.
Творчеството Биърдсли предизвиква фурор в света на изкуството, и неговите вълнообразна линия графични започнаха да се появяват в творбите на художници, дизайнери и архитекти в цяла Европа. Това е по този начин е създаден миниатюрни картините му холандец Jan Toorop (1858-1928) в т. Н. пробит от смущаващи символика на "Три булки" (1893), както и в Берлин норвежката Едвард Мунк (1863-1944) е бил в състояние да изразят бездната на мизерия и отчаяние във филма "Писък" (1893).
В архитектурата на една от най-ярките представители на новия стил е белгийската Виктор Орта (1861-1947), е подал молба за проектиране на методи за изучаване на структурните характеристики на стъкло и стомана в поредица от имения, построени в Брюксел, хотели и офис сгради. Едно от първите му творения е пискюл имение, където ритъмът на ухапване, като камшик на камшик, ред се превръща просто изграждане на жилищен блок в хармонично художествен състав. За първи път се появява на предната част на растение мотив мобилен минава през фоайето на главното стълбище, разпада стени, тавани, паркет и парапети, повтаряйки ехото на чугунени отливки, корнизи и картини.
В къщите на Виктор Орта линия графични Биърдсли превърна в органична пластмаса пълзящи лози. Този стил е успешно уловени парижкия архитект Ектор Гимар (1867-1942), станал известен проекти Париж метростанции. Дори най-простият от тях расте от земята на чугун стъбла превърза арки над входа. Един човек с въображение вижда в тях огромните ръководителите на зеле в стъкло и стомана. Подобни асоциации предизвикват много други сгради Гимар в Париж, както и създадени според дизайна си мебели и интериорен дизайн.
Друго нещо е, интериора и обзавеждането. Малки форми и по-еластични материали, вдъхновени от модернистичните майстори на по-обстойни и обмислени облицовки и дизайнери като Хенри Ван де Велде (1863-1957), създадена грандиозните проекти на интериорни елементи за декорация - бюра, свещници, лампи и прибори за хранене. Такава необуздан полет на фантазия е далеч от всеки вкус. Последовател на Морис, Уолтър Крейн, наречена Нуво "декоративен странна болест", както и много грозни намери гротескни образи Биърдсли, Мунк и бързате, преувеличени форми на Гимар и Гауди.
Тези естетически проблеми най-малко не смути от Чарлз Рени Макинтош (1868-1928). В творчеството му намира израз най-изящно сдържана японски ръба на модерността, а не декадентски чувствени експерименти Биърдсли и неговите последователи.
Заедно със съпругата си Маргарет Макдоналд, сестра й Франсис и нейният съпруг Хърбърт Макнеър сестра Макинтош създаде сложна, хладно и ясно стил в архитектурата, интериор и обзавеждане. В "квартета" работи основно в Глазгоу, изпълнение на проекти като "Уилоу чайни", които stepy декорирани в японски стил женски фигури вплетени в стилизирани флорални мотиви върху плоска монохромен фон. Тези изящни флорални мотиви се повтарят във вертикално рязане пояс метална врата стъклопис, стопански инвентар чайни.
Със специална сила този стил се проявява в създаването на най-голямата Mac - сградата на Училището по изкуства в Глазгоу. Целият му изграждане на монументален тежест и практически, нищо, наподобяващо органични форми Guimard и Гауди. Въпреки това, тук стилизирани флорални мотиви се срещат в контурите на декоративни корнизи.
Rectilinear стил на Макинтош и неговите сътрудници са имали силно влияние върху работата на австрийския художник Густав Климт (1862-1918), може би най-последователен изпълнител на Арт Нуво. В най-известната си платно заобиколен Климт създаде "квартет" удължена женска фигура трептене модел на абстрактно форми и многоцветни бои с металния рефлекторен, което води до стена памет многоцветен керамика от Антонио Гауди. Позовавайки се на мозайка техниката, Климт направи ослепителен ефект в своите стенописи за Stoclet дворец в Брюксел (1905-11).
От 1910 почти всички гиганти на модерността се обърнаха към други художествени стилове, и мястото им е посредствени имитатори. И все пак, въпреки краткия век, този динамичен стил има трайно влияние върху изкуството и архитектурното си наследство все още е угодно очите ни.
стил "Арт Деко" замени модерното. Смелите геометрични форми на "Арт Деко" е последната дума в дизайна през 1920-30. Отличава с лукс и елегантност, стил "Арт Деко" ще се отрази на външния вид на почти всичко - от прах кутии за океански лайнер.
"Арт Деко" е роден в навечерието на Първата световна война, когато доминиран от тънки, гъвкави форми, присъщи на модерността, или "ар nuzh" (в franpuzski «Арт Нуво» - «ново изкуство"). "Деко" с резки и отривисти си линии е в действителност, антитеза на модерността. Първите признаци на промяна дойде през 1909 г., когато в Париж в триумф направи български балет. Смел, пъстри костюми и декори Леон (Лион) Бакст парижани удариха и хванати от моделиер Пол Poiret, бързо спечели симпатиите на публиката. С течение на времето кубистични боядисване и модернистична архитектура също влияе на дизайна на която вече е станала популярна, което прави модната тенденция на скромен и суров линии.
Тези тенденции, заедно с следвоенното желанието на всички красиви и нови разработени през 1920 година в оригиналния стил "Арт Деко". Основната му функция е най-смели, подреден форми, светъл, чист цвят и - най-важното - съвременни материали, като полиран хром и пластмаса (а обикновено бакелит). Пластмасови боядисани в ярки цветове, и, точно като хром, полирана до блясък. Гладка лъскава стоманена повърхност един от основните признаци на "Деко". също широко използван стъкло, плочки, емайл, бронз и ковано желязо. Типични продукти, произведени в този стил са Panna, осветление и лични вещи, като например прах кутии, часовници и табакери.
Геометрията на "арт деко" могат да бъдат проследени в много сгради 1920-30, например, във формата и украсата на хоризонта (Empire State Building и сградата на Крайслер в Ню Йорк) и седалището на British Broadcasting Corporation (Би Би Си C) в Лондон. "Геометризма" също се превърна в отличителен белег на модата. Освободен от корсет жената иска да промени естествения им вид, подстригани, за да се изгладят бретон и вземане на бюста възможно най-плоски. В допълнение, шапка с форма на капачката, рокли направо режат или къси поли създават визуален ефект на по-висок растеж; дори ясни контури и смели червило се прилага под формата на "лък на Купидон" могат да се разглеждат като чисто проява на стил "Арт Деко".
Строги символа "арт деко" е особено ефективни за някои видове чертежи. Sun и лъчите стилизирани зигзаг светкавица и Етап обекти (например пирамиди) се използват особено често. Това е също нов блок геометрична букви, създаване на триизмерен ефект; често по фасадите на магазини, фабрики и подземни станции и писмото извършва на видно място монтира отделно един от друг.
Днес нещата в стил "Арт Деко" са редки и скъпи колекции от артефакти, сградите са преустроени или разрушени, но интериора на 20-те и 30-те години все още може да се види в много стари филми. Дори и тяхното отваряне рамка на студио лого, може да бъде един типичен "Арт Деко" - например, въртящ се стъклен глобус и слънчевата система, фирма "Universal Pictures". Декорация филми с Фред Астер и Джинджър Роджърс - луксозни хотели, танцови зали, коктейл-барове - дават добри примери за стила. Самите кина сградите често хъркат детайли типични интериори на периода.
Тези плакати отразяват наличието на движение, както и желанието за лукс, скорост и нови технологии, типични за междувоенния период, когато транспорт замърсяване все още не се е превърнала в глобален проблем.
Лесни за използване, лъскави автомобили, влакове, самолети и военни кораби са стилово съвсем в духа на "Арт Деко", и в същото време мащаб превоз на класове (ниво на комфорт) е довело до разцвет обзавеждането на салони в самолетите, кабина отделение параходи и влакове. Декоративни елементи като личности от качулките на коли, сега са предмет на събиране, и съвременни изложби на "Арт Деко", често можете да видите внимателно и напълно реставриран интериор, като вагон.
Удоволствието с опит от квартала на модерността и носталгия, помага да се обясни дълбокото и не изсъхне и до днес очарованието на "Арт Деко", остава една от най-известните дизайнерски стилове на ХХ век.
Прочетете повече: Раждането и развитието на съвременното изкуство
Информация за работата на "съвременно изкуство"
Магнус Sharmanoff (1964), определен за показване на произведенията на финландската история и западното изкуство като цяло. Поетапното снимките той играе класически произведения на изкуството или финландски теми от класическата митология. Модерно изкуство във Финландия за пореден път призова график - както традиционни, така и във връзка със снимката. Налице е също расте обществен интерес от рисунката - изложба.
ние все още имаме шанс да съзерцавам нещо незабележим и обичайно. В живота, напротив, ние сме обречени да се чудите на необичайно. Функцията, която изпълнява и днес в музей на съвременното изкуство - последният да остане в културно защитено място на индивидуалното общуване с ежедневието нормалност, скука и посредственост, а също така означава, че изкуството тук запазва известна.
архитектурен пейзаж и морски пейзажи като един вид пейзажна живопис). Има нови синтетични Начална страница (например жанр комбинация с природа, група Портрет на историческа жанр). Значението на съвременното изкуство. Тя се причинява от увеличаване на постмодерното общество ролята на културата и изкуството като най-важните за самостоятелно развитие и самостоятелно правата на механизмите в него.
Свързани статии